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5 artistas femeninas del surrealismo

5 artistas femeninas del surrealismo

Fundado en 1924 por el escritor y poeta André Breton, el grupo surrealista estaba compuesto por artistas a quienes Breton había elegido. Sin embargo, las ideas del movimiento, que se enfocaban en exponer el subconsciente a través de ejercicios como el dibujo automático, no estaban contenidas en los pocos elegidos a quienes Breton favorecía o rechazaba caprichosamente. Su influencia fue mundial y encontró sus puestos de avanzada más fuertes en México, Estados Unidos, Europa y el norte de África.

Debido a la reputación del surrealismo como disciplina masculina, las mujeres artistas a menudo se eliminan de su historia. Sin embargo, el trabajo de estas cinco artistas femeninas da un vuelco a la narrativa tradicional sobre el enfoque del surrealismo en objetivar el cuerpo femenino, y su participación en el movimiento es un testimonio del hecho de que el espíritu surrealista era más expansivo de lo que la historia del arte había asumido anteriormente.

Leonor Fini

Leonor Fini nació en Argentina en 1907, pero pasó su juventud en Trieste, Italia, después de que su madre huyó de un matrimonio infeliz con el padre de Fini. Cuando era adulto, Fini se familiarizó con el grupo surrealista en París, y se hizo amigo de figuras como Max Ernst y Dorothea Tanning. Su trabajo fue exhibido en la exposición seminal de 1937 del MoMA "Arte fantástico, Dada y surrealismo".

Fini fue tomada por la idea del andrógino, con el que se identificó. Su estilo de vida estaba en consonancia con su enfoque poco convencional sobre el género, ya que vivió en un menage-à-trois con dos hombres durante más de cuarenta años. Pasó los veranos en un castillo en ruinas en Córcega, donde ofreció elaboradas fiestas de disfraces, para las cuales sus invitados planearían durante meses.

Leonor Fini con una de sus pinturas. Francis Apesteguy / Getty Images

El trabajo de Fini a menudo presentaba protagonistas femeninas en posiciones de dominio. Ella ilustró ficción erótica y diseñó trajes para las obras de sus amigos. También diseñaría sus propios trajes para eventos sociales. Su autoimagen a menudo exagerada fue fotografiada por algunos de los fotógrafos más conocidos de la época, incluido Carl van Vechten.

Quizás el mayor éxito comercial de Fini fue diseñar el frasco de perfume para el perfume "Shocking" de Elsa Schiaparelli. La botella estaba hecha para parecerse al torso desnudo de una mujer; El diseño ha sido imitado durante décadas.

Dorothea Tanning

Dorothea Tanning nació en 1911 y creció en Galesburg, Illinois, hija de inmigrantes suecos. Sofocado por una infancia estricta, el joven Tanning escapó a la literatura y se familiarizó con el mundo de las artes y las letras europeas a través de los libros.

Segura de que estaba destinada a convertirse en artista, Tanning abandonó el Instituto de Arte de Chicago a favor de vivir en Nueva York. El "Arte fantástico, papá y surrealismo" de 1937 del MoMA cimentó su compromiso con el surrealismo. No fue sino hasta años más tarde que se acercó a algunos de sus personajes clave, cuando muchos se mudaron a Nueva York para escapar de la creciente hostilidad en Europa debido a la Segunda Guerra Mundial.

Retrato de Dorothea Tanning, 1955. Archivos de Michael Ochs / Getty Images

Cuando visitó el estudio de Tanning en nombre de la galería "Art of this Century" de su esposa Peggy Guggenheim, Max Ernst conoció a Tanning y quedó impresionado con su trabajo. Se hicieron amigos rápidamente y finalmente se casaron en 1946, después de que Ernst se hubiera divorciado de Guggenheim. La pareja se mudó a Sedona, Arizona, y vivió entre una cohorte de compañeros surrealistas.

La producción de Tanning fue variada, ya que su carrera abarcó alrededor de ochenta años. Aunque es quizás mejor conocida por sus pinturas, Tanning también recurrió al diseño de vestuario, la escultura, la prosa y la poesía. Ella tiene un gran cuerpo de trabajo que consiste en lujosas esculturas humanoides, que era conocida por usar en instalaciones a lo largo de la década de 1970. Ella murió en 2012 a los 101 años.

Leonora Carrington

Leonora Carrington nació en el Reino Unido en 1917. Asistió brevemente a la Chelsea School of Art, luego se transfirió a la Academia de Bellas Artes Ozenfant de Londres. Conoció a Max Ernst cuando tenía poco más de veinte años y pronto se mudó con él al sur de Francia. Ernst fue arrestado por las autoridades francesas por ser un "extranjero hostil" y luego por los nazis por producir arte "degenerado". Carrington sufrió una crisis nerviosa y fue hospitalizado en un asilo en España.

Su único medio de escape era casarse, por lo que se casó con un diplomático mexicano y se fue a los Estados Unidos, donde se reunió con muchos de los surrealistas en el exilio en Nueva York. Pronto se mudó a México, donde ayudó a fundar el Movimiento de Liberación de la Mujer y finalmente pasó el resto de su vida.

El trabajo de Carrington se centra en símbolos de misticismo y hechicería, y a menudo trata con imágenes recurrentes significativas. Carrington también escribió ficción, incluyendo La trompeta auditiva (1976), por el cual es mejor conocida.

Escultura de Leonora Carrington en la Ciudad de México.

Meret Oppenheim

La artista suiza Meret Oppenheim nació en Berlín en 1913. Al estallar la Primera Guerra Mundial, su familia se mudó a Suiza, donde comenzó a estudiar arte antes de mudarse a París. Fue en París donde se familiarizó con el círculo surrealista. Conocía a André Breton, estuvo brevemente involucrado sentimentalmente con Max Ernst y modeló para las fotografías de Man Ray.

Oppenheim fue mejor conocida por su escultura de ensamblaje, que reunió objetos encontrados dispares para hacer un punto. Ella es más famosa por ella Déjeuner en Fourrure también llamado Objet, una taza de té forrada en piel, que se exhibió en el "Arte fantástico, papá y surrealismo" del MoMA y, según los informes, fue la primera incorporación a la colección del Museo de Arte Moderno por una mujer. Objet se convirtió en un ícono del movimiento surrealista, y aunque es responsable de la fama de Oppenheim, su éxito a menudo ha eclipsado su otro trabajo extenso, que incluye pintura, escultura y joyería.

Aunque estaba paralizada por el éxito temprano de Objet, Oppenheim comenzó a trabajar nuevamente en la década de 1950, después de varias décadas. Su trabajo ha sido objeto de numerosas retrospectivas en todo el mundo. A menudo abordando temas de sexualidad femenina, el trabajo de Oppenheim sigue siendo una piedra de toque importante para comprender el surrealismo en su conjunto.

Dora Maar

Dora Maar fue una fotógrafa surrealista francesa. Ella es quizás la más famosa por su fotografía. Père Ubu, un primer plano de un armadillo, que se convirtió en una imagen icónica del surrealismo después de que se exhibió en la Exposición Surrealista Internacional en Londres.

La carrera de Maar se ha visto ensombrecida por su relación con Pablo Picasso, quien la usó como musa y modelo para muchas de sus pinturas (especialmente su serie "La mujer que llora"). Picasso convenció a Maar de cerrar su estudio de fotografía, lo que efectivamente terminó su carrera, ya que no pudo revivir su antigua reputación. Sin embargo, una retrospectiva significativa del trabajo de Maar se abrirá en el Tate Modern en el otoño de 2019.

Fotografías de Dora Maar de su amante, Pablo Picasso. imágenes falsas

Fuentes

  • Alexandrian S.Arte surrealista. Londres: Thames & Hudson; 2007
  • Blumberg N. Meret Oppenheim. Enciclopedia Británica. //www.britannica.com/biography/Meret-Oppenheim.
  • Crawford A. Una mirada retrospectiva a la artista Dora Maar. Smithsonian //www.smithsonianmag.com/arts-culture/pro_art_article-180968395/. Publicado 2018.
  • Leonora Carrington: Museo Nacional de Mujeres en las Artes. Nmwa.org. //nmwa.org/explore/artist-profiles/leonora-carrington.
  • Meret Oppenheim: Museo Nacional de la Mujer en las Artes. Nmwa.org. //nmwa.org/explore/artist-profiles/meret-oppenheim.